Langue noble

Film présenté au Club 300 Allociné

Comment s’exprimer par les mots quand les terreurs de l’Europe galvanisent les foules à l’aube de la seconde guerre mondiale ? Avec Le discours  d’un roi, faute de réponses politiques, de belles pistes contemplatives des rapports roi/sujets sont explorées. Bravo Mr. Rush.

Le travail de l’idiome et de la dialectique n’avait pas connu plus bel apparat depuis Christoph Waltz dans Inglorious Basterds. Geoffrey Rush a ceci de commun avec le terrible nazi de fiction que le langage sert de corps communiquant ultime. L’acteur australien incarne dans  Le discours d’un roi l’orthophoniste Lionel Logue, sauveur indirect du royaume britannique. Car, lorsque le roi Georges VI succède à son frère Edouard VII, il ne parvient pas à s’exprimer en public. Engoncé dans son bégaiement et sa timidité, le père de l’actuelle reine Elisabeth ne se sent pas de taille à gouverner. Le discours d’un roi replace encore une fois la langue au centre de tout.

Que pense Georges VI lorsqu’il voit aux actualités Hitler haranguer les foules ? Dans cette scène –la plus intrigante- le personnage interprété par Colin Firth émet timidement son admiration pour le charisme inquiétant du dictateur. Au passage, le film se fait malheureusement l’économie de toute prospection politique un temps soit peu gênante. Notamment sur les rapports plus que doux entre Edouard VII et Hitler, les défaillances évidentes des autorités britanniques (hormis Churchill) d’anticiper le pire. S’ils évoquent bien de -ci de-là le sujet, rien n’est fait qui ne glorifie la couronne et ses sujets.

Pas étonnant que le rôle à Oscar soit pour Firth, que Bonhan-Carter, doucereuse au possible en épouse dévouée, irradie telle une valeur famille rassurante en période de crises. La vraie injustice serait de passer à côté de la merveilleuse alchimie Rush/Firth. L’un comme l’autre expérimentent dans leurs séances de mises à niveau les limites de l'autre. Tom Hopper réussi à créer un climat d’échange intime dans un environnement pourtant froid. La personnalité du docteur Logue, achétype de la dévotion un brin irrévérencieuse, ne peut que charmer. Ne pas saluer comme il se doit le prince ou lui taper sur l’épaule dans un pays qui fonctionne encore en terme de sujets cristallisent plusieurs choses. D’une part, ils rappellent que la toute puissance royale prédispose encore sur l’égalité parfaite. Surtout, de deux, ils traduisent une envie de faire entrer toute une classe sociale dans un monde plus contemporain.

A ce titre, l’épouse se plaint de ne pas voir assez le peuple, et c’est bien dans la confrontation avec celui-ci que l’apprenti roi bloque. On passera sur le freudisme de base pour admirer d’autant plus la qualité des scènes de discours. Comme Tarantino donc, Hopper fait de la langue une arme. Mais une machine enraillée. L’ouverture du film sur un « speetch » conclu sur un lamentable échec est percutant. Les longs silences deviennent gênant, voire douloureux. Pour le futur roi bien sûr, Colin Firth tout en regard paniqué, pour sa femme,angoissée la boule au ventre et pour les sujets, apitoyés. La voix du souverain se porte telle la parole de toute une nation. Brillamment académique.

Le discours d’un roi, de Tom Hopper, avec Colin Firth, Helena Bohnan-Carter, Goeffrey Rush (Brit., 1h58, 2011)

La bande-annonce du Discours d’un roi :

La poursuite infernale

Western maitrisé de A à Z, les frères Coen parviennent à distiller leur humour et leur savoir-faire dans un carcan faussement académique. Un bout d'histoire des États-Unis en deux heures, au plus proche des morales borderline.

Un monde sans foi ni loi caractérise souvent la vision du far-west. Les westerns s'en servent allégrement. De John Wayne à Sergio leone, la construction des États-Unis se fait par ce mélange de justice (l'omniprésence de la prison), la mise à mal du Shérif (Rio Bravo) et les bandes de criminels faisant la loi (Règlements de comptes à Ok Corral). True Grit, nouvelle adaptation du roman de Charles Portis, plus de quarante ans après 100 dollars pour un shérif, a tout l'air de prendre le même chemin manichéen. Une histoire de vengeance régit la base. A savoir Mattie Ross, 14 ans et une langue bien pendue, fait tout pour venger la mort de son père. Dans cette quête funèbre, Rooster Cogburn, alias Jeff Bridges treize ans après le culte The Big Lebowski. C'est aussi une nouvelle incursion pour le charismatique acteur dans le western (Bad Compagny, Rancho Deluxe).

Troisième larron en chasse : Matt Damon soit le Texas Ranger LaBoeuf. Ethan et Joel Coen retravaillent les frontières du film de criminel et de loi en inondant un pays violent aux morales floues à travers la figure judiciaire. Ce n'est en rien un hasard si l'audacieuse Mattie Ross ne cesse de menacer la venue d'un avocat surement en mode bluff ; encore moins si le shérif Cogburn apparaît la première fois lors d'un simulacre de procès, avec parole à l'accusation et à la défense. La course poursuite contre le meurtrier s'articule aussi à travers un no man's land. Il convoque directement le fossé qui sépare la jeune Amérique post-sécession de son avenir judiciairement pointilleux et le champ libre ici donné aux bandits. La ville de Fort Smith résume ce bouillonnement infâme de fripouilles et de mises à mort vengeresses. Après avoir moqué la paranoïa contemporaine dans Burn After Reading, les Coen adoptent encore une forme d'ironie cinglante quand au rapport au droit et la morale. Les royalties et la magouille prédominent. L'incarnation même du méchant est floutée par Josh Brolin, plus que surprenant en pleutre vénal.

La majorité des westerns, dans la douce tradition américaine, jouaient une sorte de sens de l'histoire progressiste. Sans quitter complétement ces rivages hérités de John Ford, les Coen détournent toute une imagerie. A ce titre, True Grit est très proche et très éloigné d'un film comme Appaloosa. Même cette espèce de vigilante plus ou moins théorisée trouve comme justification une fémininisation du propos. Au sens où homme comme femme, la monstruosité des actes se retrouve rattrapée par une forme d'honneur ancrée dans son époque. Les États existent peut-être déjà mais la mentalité se résume encore à la l'esprit de clan. L'humour, moins présent qu'à l'accoutumée, pointe ici et là les écarts de comportements et de valeurs de ces protagonistes. Du Texas Rangers bienveillant mais tenant tout de même à récupérer les lauriers de la gloire à la figure du shérif alcooliques, tous les personnages se font égratigner. Ils ont en même temps une aura, une conscience de leur propres défaillances.

Un travail facilité par les prestations d'acteurs toutes justes -voire excellentes pour Jeff Bridges et Hailee Steinfeld. Attention, contrairement aux apparences, peu de liens sont à faire avec No Country for Old men. Deux époques, deux sujets, deux traitements singuliers rendent ces films très différents. Peu d'action ici mais une violence et une cruauté digne des plus cyniques instants des Coen. Le seul vrai point commun serait la lumière de Roger Deakins. La performance visuelle laisse pantois. True Grit arrive à créer l'étouffement sec des contrées arides et la rudesse hivernale des plaines enneigées. La photographie traduit à merveille cette double sensation, bien aidée il faut l'avouer par le travail millimétré de la mise en scène.

Art horizontal, le cinéma a même droit à un sentiment de verticalité le temps d'un plan à l'entrée d'une grotte. Tout en jeu de clairs-obscurs, intérieurs et extérieurs modèlent la double facette d'une œuvre tellement plus profonde qu'elle en a l'air. De western classique plutôt bien mené, True Grit s'émancipe en quelques minutes et concentre finalement tous les éléments du duo (dialogues savoureux, travail formel, ironie, propos ambitieux) hormis la folie désinvolte auxquels on les résume trop souvent. Mais ne nous y trompons pas, True Grit est une réalisation majeure, méticuleusement construite sur un mythe américain qui a du plomb dans l'aile.

True Grit, de Joel et Ethan Coen, avec jeff Bidges, Matt Damon, Josh Brolin (U.S.A., 1h50, 2011)

La bande-annonce de True Grit :

Cruelle adaptation post-URSS

Tout en subtilité, un cinéaste kirghize brosse le portrait de cet ancien état soviétique à la corruption galopante. Un film d'auteur pessimiste néanmoins sympathique et généreux.

La découverte de pays lointains fait parti des plaisirs les plus immenses de la cinéphilie. A défaut de voyager, étudier, enquêter aux quatre coins du monde, il nous est donné, par intermittence, de s'égarer au delà du Tigre, du Nil ou de la Volga. Que savons nous d'un pays comme le Kirghizstan? La plupart des gens parviendraient à peine à le localiser « vers ces pays en -istan. Mais si, comme Kazakhstan et Ouzbékistan ». Les plus adeptes reconnaitraient le drapeau rouge, son passé soviétique voire citeraient sa capitale Bichkek. Les lecteurs assidus du Monde ou du Courrier International eurent surement vent des graves problèmes de corruptions. Le voleur de Lumière, s'il n'informe pas des masses, en apprend bien plus que prévu – et c'est tant mieux.

Double casquette de réalisateur/ acteur principal, Aktan Arym Kubat n'en est pas à son coup d'essai.Le voleur de lumière est son quatrième long-métrage. Or, au Kirghizstan, peu de films sortent. Ne boudons pas notre plaisir devant cet objet contemplatif appréciable. En premier lieu car le visage de l'acteur en dit long sur la malice et l'intelligence de son personnage Svet-Ake, traduire « le petit père de la lumière ». Il traficote l'électricité amenée pour la rendre accessible à tous. Évidemment, les grandes entreprises font la gueule. Mais Svet-Ake voudrait aussi équiper le village d'éoliennes afin d'alimenter la région indépendamment des pressions économiques. Film sur l'espoir aussi fou que possible et sur la dégradation constante d'une contrée, le long-métrage s'appréhende comme une œuvre éminemment sociale. De quoi interroger sur l'absurdité de payer pour avoir le courant. Un peu à l'instar du récent Même la pluie, en plus subtil.

Tout cet angle social n'est que la périphérie d'un portrait d'homme perdu, un brin rêveur, assurément attachant. Sans confiner au génie, la mise en scène, lisible, offre du temps. Elle n'ajoute aucune surenchère et se garde quelques effets poétisants (pas toujours réussis) lors d'un choc électrique ou d'un final un brin décevant. Rien de bien dramatique tant le regard d'auteur que porte cet homme du bout du monde intrigue. Le choix de non-professionnels offre un surplus de réalisme. Passionné par son sujet et les gens qu'il filme, Aktan Arym Kubat raille avec douceur, ne tombant jamais dans une emphase perturbante pour le non-initié. On y voit tout de même le délabrement effarant du Kirghizstan où l'État n'est qu'un pantin et où les grands capitaux prennent le pouvoir. Se crée ce décalage entre la simplicité de gens si attachants comme violés par un système capitaliste dont ils n'ont que faire.

Le voleur de lumière de et avec Aktan Arym Kubat (Kirg., 1h25, 2011)

Sortie le 2 mars 2011

Quand Marilyn dort

Pari osé et pas si mal mené de confronter le mythe Marilyn dans un cadre de comédie policière sincère. A défaut de maintenir un cap exigeant, Poupoupidou s'avère bourré de malice.

Dans le genre mythe indécrottable, un brin absurde, l'admiration que suscite Marilyn Monroe se pose en tête d'affiche. Que Poupoupidou s'attache à un parallélisme entre l'icône et la petite ville de Mouthe, ville la plus froide de France, amuse autant qu'il effraie. Gérald Hustache-Mathieu est bien inspiré de ne pas en rajouter une couche en idolâtrie démesurée. Il construit avant tout le portrait d'une victime étrangement attirante. Sophie Quinton y campe une starlette locale, présentatrice météo et en tenues sexy sur des boites de fromages du Jura. Sa mort laisse perplexe David Rousseau (Jean-Paul Rouve) plus alerte à un éventuel sujet de roman qu'à la bienveillance de sa démarche. Jamais les deux êtres ne se croisent, et pourtant leurs destins ne cessent de s'influencer de la plus belle des manières.

Rouve trouve de loin son rôle le plus abouti, en écrivain sur le déclin. Sa bouille jamais trop grave apporte une légèreté à Poupoupidou, œuvre au genre peu fixé. Quelque part entre comédie, polar et histoire amoureuse, il peine en contrepartie à trouver ses marques. On pense inévitablement au travail de David Lynch dans Twin Peaks et surtout aux frères Coen (un hôtel sorti de Barton Fink et un univers enneigé proche de Fargo). Sauf que contrairement aux frérots, l'écriture dialoguée manque un peu de consistance. Le rythme même des répliques et le jeu d'équilibriste consistant à ne jamais lâcher la trame policière disloque ce bloc pas déplaisant.

Au même titre, l'évolution des personnages manque de malice alors que Hustache-Mathieu en use régulièrement, cachant les indices et s'amusant des petites références. D'abord en créant une version alternative, hors du temps, de ce village paumé. Il fait aussi confiance à ses acteurs. Sophie Quinton, très douce, distille sa grâce. Les seconds rôles tiennent aussi le choc avec le duo de flics Guillaume Gouix et Olivier Rabourdin (mais si Des Hommes et des Dieux, vous connaissez maintenant). Mettons de côté une nudité par moment inutiles, des rebondissements pas forcément des plus logiques et admettons que le charme agira. Globalement satisfaisant mais trop imparfait pour vraiment marquer.

Poupoupidou, de Gérald Hustache-Mathieu, avec Jean-Paul Rouve, Sophie Quinton, Guillaume Gouix (Fra., 1h42, 2011)

La bande-annonce de Poupoupidou :

L'abeille cool

Que les septiques se rassurent, le nouveau Gondry est un pur concentré de fun impulsé par le duo Seth Rogen/ Jay Chou. Si l'univers gondryesque s'efface, c'est pour mieux laisser place à une parodie désopilante.

En cuisine, on trouve parfois des mélanges incongrus, pour ne pas dire étrange ; le saumon aux fraises, le foi gras au chocolat. L'élaboration de l'adaptation du frelon vert entre un peu dans cette catégorie avec Seth Rogen (héros notamment de Supergrave et En cloque, mode d'emploi) au scénario et Michel Gondry (La science des rêves, Eternal Sunshine of the Spotless Mind) derrière la caméra. Deux figures fortes dont la collaboration pour un grand film de studio paraît osée. Mais comme pour le foi gras au chocolat, il ne suffit pas d'assurer qu' « en fait c'est vachement bon », il faut y gouter pour le croire.

Autant le dire tout de suite, se délecter de The Green Hornet ne constituera pas l'extase ultime. D'autant que les fans de Gondry pourraient bien sortir un brin déçus du manque de patte visuelle du maitre. A y regarder de plus près, le film profite portant ici et là de son savoir de montage. Un split-screen dément, quelques raccords énergiques, une utilisation des ralentis tellement plus malin que chez Zack Snyder pour ne citer que quelques exemples. The Green Hornet a de la gueule. Côté petits bricolages, presque rien, mais peu importe finalement. Gondry, sorte de technicien de luxe, se laisse guider (peut-être de force) par Seth Rogen, véritable concepteur du métrage. Le frelon vert est de loin le plus débile des pseudo-super-héros. Héritier d'un grand chef de journal, Brit Reid se transforme la nuit en chasseur de bandit, aidé par son acolyte Kato. Et si ce comics ne connu pas un succès auprès du grand public lors de son adaptation en série, cette dernière restera comme les débuts de Bruce Lee.

Rogen étoffe le duo principal et donne aux super-héros de pacotilles un visage crétin délicieux. L'acteur-producteur pond des lignes de dialogues divines, se mutant en ado attardé, fêtard et crétin. Jay Chou (Shaolin Basket), mix d'art martiaux classe et de drôlerie, fait oublier Bruce Lee et renvoie Jackie Chan a ses errements. Toute la coolattitude de Green Hornet ne se perd pas en chemin en une morale surannée comme celle de Kick-Ass. La film de Gondry peut aussi se targuer de développer un portrait des faux super-héros bien plus parodique et réussi que l'œuvre de Matthew Vaughn. Clairement, Brit et Kato demeurent des salopards égocentriques là où Kick-Ass profitait de son statut pour ne plus être un looser et choper des meufs. Le tout en glorifiant la justice par soit-même très en vogue aux USA.

Et c'est là que la bonne idée de choisir Gondry revient en pleine poire. Pour tenir le pari d'un duo aussi violent qu'inutile au final, il fallait quelqu'un de doué derrière la caméra. Ça tombe bien, le frenchy s'avère capable de filmer les scènes d'actions (un peu lourdingue à la fin) et de ne pas baisser la garde en cours de route. Alors bien sûr tout n'est pas parfait. En premier lieu une 3D frolant l'arnaque ! En terme de casting, on retrouve une composition de la toujours plus irritante Cameron Diaz, jouant perpétuellement sur la frontière sexy mais avec de l'auto-dérision. Qu'elle prenne sa retraite. Et quand Hitchcock disait qu'il n'y a pas de bon film sans bon méchant, il tiquerait un peu sur la construction du satanée Christoph Waltz. Plus drôle (et crétin évidemment) que méchant, son personnage de Chudnofsky ressemble plus à un bouffon de papier plus proche des parodies comiques de Rogen que d'un sale type. Il n'empêche que Waltz nous gratifie encore de sa diction incomparable découverte dans Inglorious Basterds. Un autre bouffon fait une apparition désopilante en début de film : James Franco (le bouffon vert fils dans Spiderman 3). Annoncé comme désastreux, simple réceptacle d'argent pour Gondry, The Green Hornetrassure. Mieux, il se pose comme l'une des rares adaptations de héros de comics digne d'intérêt.

The Green Hornet, de Michel Gondry, avec Seth Rogen, Cameron Diaz, Jay Chou (U.S.A., 1h57, 2011)

La bande-annonce de The Green Hornet: