Nous avions laissé Clint Eastwood à ses petites histoires d'enlèvement d'enfants l'an dernier avec l'Echange. Quant à sa dernière apparition devant la caméra, elle remonte à l'excellent Million Dollar Baby. Le Eastwood version 2009 raconte la retraite peinarde de Walt Kowalski, retraité raciste de la guerre de Corée. Bien malgré lui, le vétéran se retrouve avec des voisins Hwongs (peuple vietnamien ayant combattu au coté des américains lors de la guerre du Vietnam), dont le jeune Thao. La vie de Walt se résume à tuer le temps, fusil toujours à portée de main, à laver sa Gran Torino 1972, voiture qu'il a vu naitre quand il travaillait chez Ford. Alors, Gran Torino, film beauf avec grosse cylindré et chasse aux « niaks », comme les surnomme le vieil homme?

Loin de là, bien entendu. La première bonne idée du film est de ne jamais faire rouler la Gran Torino, hormis à la fin, faisant ainsi de l'objet de fierté du retraité une sorte d'œuvre d'art intouchable. Alors, quand Thao tente de lui voler sa voiture, Walt explose de colère. Le personnage d'Eastwood est intéressant à plus d'un titre. Si ses sarcasmes ouvertement xénophobes font rire jaune le spectateur, c'est peut-être car ce dernier veut bien croire à l'irréalisme de comportements pourtant bien courants. Kowalski fustige de tous les noms les étrangers dès qu'une occasion se présente. Pourtant, l'acte de rédemption se construit au fur et à mesure du film, quand, petit à petit, Thao hérite du savoir de Walt, de ses biens, mais aussi de sa confiance. Son exorcisme est total puisqu'il se libère de ses erreurs de Corée dans une ultime confrontation forte en symbole.

Clint Eastwood se construit un antihéros total, allant volontairement vers une dérision de se qu'il fut à l'époque des Sergio Leone, ou du flic impeccable dans Un Monde Parfait. Ses plans sont toujours posés, prenant le temps de montrer les choses sans jamais tomber dans le mollasson. Au spectateur d'apprécier. Eastwood s'est écarté de la trame parfois complexe d'un Mystic River pour nous livrer une œuvre claire, presque convenue. C'est peut-être là toute la force de Gran Torino, pas besoin de faire original, tant la statue est peaufinée, tant sa volonté de rejeter cet élan réactionnaire en lui est une réussite.

Franchise juteuse au succès indiscutable, les héros de l'Age de glace sont de retour. Si l'usure pointe, elle n'est pas pour tout de suite.

On se souvient des pitreries de Sid le paresseux, Manny le mammouth et Diego le tigre lors du premier Age de glace. A l'époque, le petit groupe, uni par contrainte, ramenait un petit humain dans sa famille. Puis, dans un second opus plutôt décevant, les créateurs remontaient le temps pour créer un réchauffement climatique. La famille se forme: Ellie, femelle mammouth et ses « freros » Crash et Eddie rejoignent le casting. Avec le temps des dinosaures, il est question de paternité. C'est gentil, mignon et c'est surtout l'occasion pour Sid de s'illustrer par sa bêtise.

Qu'on se rassure, la troisième fournée est de meilleure qualité que la précédente. Mère accidentelle de bébés T-Rex, Sid entraîne ses compagnons dans le monde anachronique des dinosaures. Perdu dans le monde gigantesque des dinosaures, le spectateur se concentre sur l'aspect intime des personnages, utilise le cocon familial comme protecteur d'un univers hostile.La 3D, très en vogue, fait son apparition. Elle donne une profondeur de champ qui met en valeur les décors de jungle luxuriante. Sur le plan technique, l'Age de glace 3 est sans conteste encore plus réussi que les précédents.

Le fond est également travaillé, faute d'être novateur. Le deuxième épisode se révélait assez plat dans ses péripéties. Ici, les choses vont dans tous les sens. Nous suivons tour à tour le périple de Sid, de ses amis qui cherchent à le sauver et en parallèle de Scrat, la mascotte de la franchise. Le petit rongeur, toujours aussi accro à son gland, va tomber sous le charme de l'écureuil vamp Scratina. C'est une nouvelle fois dans cette partie du récit que les créateurs se lâchent. La farce est souvent attendue, presque simplette mais elle marche toujours autant auprès du public. On nage dans un revival des Tex Avery et Cie. Afin de ne pas se ramollir sur le reste, les scénaristes ont inclus un petit nouveau dans la bande. Buck est une fouine déjantée, chasseur de dinos et aventurier vantard. Ce personnage fait plaisir à voir, sans pour autant se révéler incontournable à la série.

Une série qu'il est tant de finir. L'engouement important suscité et le succès à prévoir font craindre un hypothétique quatrième épisode. Au rythme des remontées dans le temps, il serait possible que l'Age de glace 4 se passe au temps de la création de notre stratosphère. L'usure guette la série, comme l'a connu Shrek. Bye à toi Sid et tous tes amis, on aimerait bien ne plus vous revoir.

L'Age de glace 3- Le temps des dinosaures, de Carlos Saldanha avec les voix françaises d'Elie Semoun, Gérard Lanvin, Vincent Cassel (U.S.A., 1h40, 2009)

La bande-annonce de l'Age de glace 3 - le temps des dinosaures ci-dessous:

Riad Sattouf, génial dessinateur de Charlie Hebdo rend enfin service au cinéma comique français. Voici un film transgénérationnel réussit. Pour le plus grand malheur de nos souvenirs adolescents.

« Tourne pas toujours ta langue dans le même sens quand tu embrasses », « genre, elle me disait, oh oui merci de me faire jouir ! » Non vous ne rêvez pas, un français a osé mettre de telles répliques dans son film. Ce tour de force, on le doit à Riad Sattouf, homme qui au vu de sa masse capillaire naturelle porte bien son nom. On le connaissait comme auteur de BD (Ma circoncision, Pascal Brutal), le voilà réalisateur. Les Beaux gosses raconte l'histoire de tout ado du collège qui se laisse submerger par ses hormones. Hervé, nigaud au physique ingrat veut sortir avec une fille. Si possible avec l'une des plus jolies, Aurore. Il y a aussi Camel, coupe mulet et hard-rockeur aux racines tunisiennes; le meilleur pote semble ne connaître que le métal et les films pornos.

La vraie qualité des Beaux gosses se situe avant tout dans son esprit intemporel. Pas d'année précise, ni de ville spéciale, cette histoire pourrait arriver n'importe où. Les réactions sont tout aussi banales. Camel, Hervé, des prénoms passe-partout. Contrairement à l'ignoble pseudo-comédie L.O.L., énorme succès populaire injustifié, les p'tits gars du collège vous disent quelque chose. Loin du côté, « ouais je suis à la mode avec ma coupe de B.B brunes », les Beaux Gosses nous ressemblent. L'idée directrice est finalement que les jeunes d'aujourd'hui sont comme ceux d'hier, et comme ceux de demain: obsédés par le sexe, cruels entres eux, un peu con tout de même, mais champion dans l'acte de rédemption (« désolé j'ai été con, mais depuis j'ai vécu des choses, tu vois !). Si les traits sont forcés à outrances -comme le veut la comédie américaine actuelle, façon Ben Stiller-, on ne peut que souffrir en se disant que nos 15 ans ressemblaient plus ou moins à ça. Débarrassé du côté tecktonikeur, la barrière générationnelle est dépassée.

Les cas parentaux sont aussi savoureux. Noémie Lvovsky est hilarante en mère d'Hervé dépressive, accro à son gamin jusqu'à lui demander s'il se masturbe. Le « maman, t'es chiante » nous appartient tous, le film ne se prive pas de l'exploiter. La joyeuse bande d'élèves attire également une réelle sympathie à s'être laissé filmer sous l'angle des pires défauts. Il leur a sûrement fallu une sacré dose d'autodérision, qualité très rare à l'adolescence. En fait, le premier film de Sattouf ne souffre que d'un défaut : ses qualités. Pour faire simple, on espère juste que toutes les comédies ne vont pas nous mettre une telle claque moqueuse en nous disant; « eh, tu étais pareil à son âge! » Pour la masturbation dans les chaussettes, je proteste. 

Les Beaux gosses, de Riad Sattouf, avec Vincent Lacoste, Anthony Sonigo, Alice Tremolière (Fra., 1h30, 2008)

La bande-annonce des beaux gosses ci-dessous :

Lars Von Trier ne se prend pas pour un nul. Pourtant, son dernier joujou puritain est un ramassis malsain de tout ce qu'il faut éviter au cinéma.

Prix d'interprétation féminin à Cannes, Charlotte Gainsbourg est aux anges. Pourtant, son rôle ô combien diabolique ne méritait pas tant d'honneur. Sous l'égide de Lars von Trier, la voilà avec son acolyte Willem Dafoe dans Antichirst, film de dérangé rendant la femme mauvaise, le sexe malveillant et le Diable en sauveur.

Mais reprenons depuis le début. L'histoire tragique s'ouvre sur la mort de l'enfant du couple alors qu'ils font l'amour. Pour nous montrer cela, Von Trier ne peut s'empêcher d'alourdir une scène d'ouverture baroque assez ignoble. Faux noir et blanc tirant sur des teintes bleutées avec musique d'Haendel, un pénis qui pénètre le vagin (supposé) de Charlotte Gainsbourg le tout au ralenti. Une publicité Lars von Trier qui vous vend la mort d'un enfant sur un faux air d'art et d'essai. Comble du scénario ridicule, le mari, psy dans la vie, se met à soigner sa femme. Voici donc le premier psychanalyste qui soigne sa famille. Le délire ne s'arrête pas là. La femme, forcement faible et coupable chez le réalisateur danois, cherche à faire le deuil. Le bavardage pseudo-intello sur la culpabilité n'en fini plus. Histoire de caser quelques plans stylés, Von Trier n'a rien trouvé de mieux que de créer des exercices d'introspection pour la mère. Elle s'imagine dans une forêt dangereuse, brouillard et silence pesant. C'est joli, proche d'un tableau, mais ça ne sert à rien.

Pourtant au vu du délire qui suit, on se dit que ce début de film n'était pas si mal. A l'instar d'un Breaking The Waves (qui avait au moins le mérite de nous toucher), la femme doit souffrir et faire souffrir son mari. La culpabilité trop lourde doit être expiée par là où le mal vient. Mutilation du clitoris, coup de buche sur le pénis, branlette ensanglantée, il n'y a aucune limite. En bon puritain qu'il est, l'auteur de tout cela met en avant un thème biblique déformé: le Diable et les méfaits de la nature humaine. Preuve en est, la petite cabane où se retire le couple s'appelle Eden. Au réalisateur de distiller son discours christique ultra-déformé, faisant passer la religion catholique pour un grand délire d'épouvante. La violence est gratuite, sans recherche de fond comme l'était Shining ou Taxi Driver.

Alors, dans ce tableau, il y a la douce Charlotte Gainsbourg, adulée même par les détracteurs de ce film. Il est vrai qu'elle donne de sa personne (tout comme Willem Dafoe), et alors? Méritait t-elle un prix d'interprétation à Cannes? C'est bizarre, mais la présidente du jury Isabelle Huppert a eu le même prix sur le même thème: la femme qui se mutile, qui souffre, au point de détruire son organe du plaisir. Offrir un prix aussi important pour des rôles aussi pénibles à voir (et je ne parle pas des cris d'hystériques poussés un peu tout le long d'Antichrist) est un sale message pour les actrices en devenir :« Mutilez vous à l'écran, faisant passer la femme pour un objet du mal, et vous aurez un prix à Cannes. »

La démarche d'Antichrist reste incompréhensible. Choquer gratuitement? Peut-être, mais Von Trier se prend bien trop au sérieux. A-t-il un problème avec le sexe opposé? La peur du vagin l'effraie t-il à ce point? Sans sous-estimer son talent, on ne peut que rester dubitatif sur son avenir cinématographique s'il creuse le sillon qu'il a amplement entamé.

Antichrist, de Lars Von Trier, avec Charlotte Gainsbourg, Willem Dafoe (Dan., All., Fra., 1h44, 2008)

La Bande-annonce d'Antichrist ci-dessous:

Volver en 2006 était une semi-déception avec son scénario plus fade et un détachement envers ses acteurs assez inhabituel chez le cinéaste. Grâce à Etreintes brisées, le cinéma de Pedro Almodóvar retrouve des couleurs. L'histoire paraît complexe, la bande-annonce nous entourloupe et le synopsis s'avère évasif. Le film n'est pourtant pas si alambiqué si on le résume volontairement maladroitement : voici l'histoire d'un amoureux du cinéma, un ancien réalisateur meurtri par un vieil accident. Cet homme s'appelle Mateo Blanco (l'excellent Lluis Homar) renommé Harry Caine depuis le drame qui lui a coûté la vue. Par necessité, il s'est reconverti dans l'écriture de scénarios. Autour de lui se greffent une attachée de production également attachée à lui, un fils étrange et revenchard, un autre innocent et curieux, un certain Ernesto Martel tout juste décédé et surtout une muse et amante qui semble avoir laissée des traces. Par flash-backs, le fil des évènements se dévoile peu à peu.

Tout le savoir faire de l'espagnol est mis ici en exergue par une mise en scène léchée, se concentrant sur ses acteurs. Les habitués sont là: Lola Dueñas, Blanca Portillo, Angela Molina et surtout Penélope Cruz. Admiration et amour sans bornes pour l'actrice sont les maitres mots qui affleurent à chaque séquence. Le regard profond de la belle absorbe l'objectif à tel point que le moindre de ses gestes prend une dimension érotico-fragile. Son personnage Lena est un mix entre la réincarnation d'Audrey Hepburn et celle d'Ingrid Bergman dans Voyage en Italie ( référence explicite lors d'une scène où le couple Mateo/Lena regarde le chef-d'oeuvre de Rossellini à la télévison).

Dans la pure tradition « almodóvaresque », Etreintes brisées apporte une mise en abyme sur le 7ème art. Cette fois-ci, la volonté de plonger le spectateur dans cet univers est encore plus flagrante. Documentaire parallèle, héros réalisateur, visionnage de rush, tout s'imbrique et donne de la profondeur. L'attention est aussi portée à tout se qui fait le cinéma: coiffures, maquillages, lumières, photographie. Etreintes brisées est un mélodrame presque hitchcockien dont la lueur d'amour éternelle n'existe qu'à travers l'oeil d'une caméra. C'est aussi une oeuvre très hollywoodienne dans cette façon de croire à un amour éternel au delà de la mort. Le drame lacrymal et perturbant est évité on ne sait comment, par une fin un peu moins sublime ou peut-être justement par une sobriété admirable. Au choix.