L’attente depuis De battre, mon cœur s’est arrêté fut longue, mais Jacques Audiard revient ! Il livre un véritable monument de cinéma d’auteur : dense, profond, précis. Avec en prime des acteurs flamboyants de noirceur.

Injustement critiqué depuis ses premiers longs-métrages, Jacques Audiard a pourtant toujours fait preuve d’une excellente rigueur dans la réalisation. Seulement voilà, trop hybride entre cinéma d’auteur et grand public, trop léché, pas assez tendance, les avis furent parfois sévères. Mais comme la vie est parfois bien faite, tout le monde dans le métier s’est prosterné pour saluer Un prophète.

Coup de poing

Et pour cause ! L’histoire de Malik, jeune arabe condamné à 6 ans de prison pour délits mineurs, frappe le spectateur. Premier coup de maître, faire en sorte de ne rien savoir de sa vie antérieur. Aucune explication sur la raison de sa condamnation, pas de famille, les poches vides, Malik apparaît vierge cinématographiquement. Son histoire, il doit la construite, en taule. Si l’ambiance de la prison nous parait extrêmement réaliste et travaillée, le réalisateur se défend d’avoir cherché le film documentaire. Il n’empêche : fouilles au corps, balades surveillées, mitard, tout l’univers carcéral est retranscrit. La lumière magnifie les acteurs, les cachent et les dévoilent à volonté.  Maîtrise totale pour cette réalisation qui garde un soupçon d’incertitude dans ses mouvements de caméras. Pas d’esbroufe ici, Audiard refuse le beau plan pour le beau plan. Chaque séquence a sa signification.

 Tahar Rahim dans le rôle principal change d'apparence en fonction : rasé, barbu, costaud ou chétif. Une physionomie pas anodine. L’évolution du personnage s’y retrouve. Paumé à ses débuts, Malik va se retrouver engagé auprès des mafieux corses. Face à eux, le clan arabe. On ne peut être que terrifié devant la relation nouée avec César (NielsArestrup). Véritable larbin esclave du corse, Malik arrive à jouer fin, à s’émanciper en partie. Il prend des risques, discute avec les arabes, fait son business. Le scénario explore toutes ces pistes au maximum. C’est dense, presque trop, mais tout est méticuleusement agencé pour que le film avance.

Fausses polémiques

Abdel Raouf Dafri, le scénariste, n’en ai pas à son coup d’essai puisque c’est à lui qu’on l’on doit les scripts des Mesrine. Mais, tempête dans un verre d’eau, la dualité mafia corse/ délinquants musulmans suscite la polémique. Pas du côté arabe mais du côté des nationalistes de l’île de beauté. L’histoire serait caricaturale et insultante. Sauf qu’une fiction reste une fiction, que Jacques Audiard s’est toujours défendu de faire un documentaire. Jamais il n’est dit que tous les corses magouillent. A ce moment, pourquoi ne pas crier au scandale quand les italiens passent pour des pourris avec le Parrain ? Du côté politique, quelques voix commencent à s’élever sur l’image des arabes. Malik deviendrait une sorte de modèle de gangsta intelligent et égoïste. Le danger : que les banlieusards s’en inspirent.  

Débile quand on sait que ce personnage fut pensé comme un anti-Montana (Scarface). La virilité apparente ne s’affirme que dans un désir de survie. Le jeu des acteurs vous dissuadent de cette théorie. L’interprétation de TaharRahim vous scotche. Le jeune homme pourrait devenir le symbole du futur cinéma français. Celui où l’arabe n’est ni un objet social d’intégration, ni un anti-héros. Le rôle de Malik se situe entre les deux, Audiard s’abstient de la juger. Cette petite frappe un peu rebelle apprend le respect, la soumission et la cruauté. C’est aussi un homme qui peut rester loyal. Et comment ne pas s’attarder sur la prestation hallucinante de Neil Arestrup en parrain corse. L’acteur réussi le tour de force d’être encore meilleur que dans De Battre…. Sommet de férocité féline et d’attaques surprises tel un serpent, le personnage de César reflète la face la plus esclavagiste de l’Homme. Quel meilleur moyen que de donner toute sa force à une fresque humaine aux multiples niveaux d’interprétations qu'en confiant les rôles à des visages presque tous inconnus ?

Mais quelques lignes ne suffiraient pas à résumer toute la profondeur d’Un prophète. La psychologie y est explorée jusque dans le rêve, la parano. Ces scènes montrent toute la torture exercée par l’enfermement, avec en prime une caméra toujours dans l’angle parfait. Un très grand film d’auteur, à coup sûr. On le digère petit à petit, et comme tous les Audiard, il mérite plusieurs visionnages afin d’en savourer toute la profondeur.

Un prophète, de Jacques Audiard, avec Tahar Rahim, Neil Arestrup, Adel Bencherif (Fra., 2h35, 2008)

La bande annonce d'Un prophète ci-dessous :

Shane Acker avait déjà réalisé un court-métrage mettant en scène le personnage de numéro 9. Ebloui, Tim Burton décida de l’aider dans ce projet. L’histoire nous plonge dans un univers apocalyptique, où tout vie humaine a disparu après une guerre contre les machines. Un classique du film catastrophe. Les monstres d’aciers ne sont pas sans faire penser à ceux de Matrix : tentaculaires, bruyants, immenses.

« Immense » pourrait aussi résumer la quête de numéro 9 et de ses acolytes de débris technologiques. Leur mission se résume à mettre fin au règne des machines sur terre. Ni plus, ni moins. Or, dans la réalisation, l’équipe de Shane Acker part trop vite au cœur de l’action. Faire de l’animation c’est long, alors tant pis s’il n’y a guère de scènes intimistes, intellectuelles, explicatives. Là où dans WALL-E, la planète sans l’homme respirait un air lourd et calme, dans Numéro 9, tout n’est que lutte manichéenne. Pourquoi pas, sauf qu’il faut du temps pour s’attacher aux petits héros : plus d’une heure, soit le temps du film.

Heureusement, sur d’autres points, le protégé de Tim Burton s’en sort mieux. L’esthétisme, notamment, n’a rien à envier aux plus grosses productions. Il n’y a qu’à voir cette nuit pesante où la lune éclairant les statues. Les faisceaux lumineux à travers les fenêtre et les vitraux sont un exemple de perfection. Les explosions, les animations, tout est splendide. Exploit plus fort, il arrive à donner vie à ces drôles créatures par leurs expressions faciales. Les voix s’en sortent aussi très bien. Avoir Elijah Wood comme choix principal n’a rien d’un hasard. Une quête impossible, un monde au bord de l’effondrement, un héros seul malgré ses compagnons, ça ne vous dit rien ? Non, nous ne sommes pas dans la trilogie de Peter Jackson mais dans le film du jour. Shane Acker avait bossé sur l’animation du Retour du Roi, pas étonnant donc. Cela se ressent jusque dans les plans et les bruitages. Un travelling montre numéro 9 et numéro 5 montant une colline sombre, plan aboutissant sur une vision lointaine du fort des méchants. La référence au dernier plan de la Communauté de l’anneau est évidente.

Au final, très beau dans sa forme, Numéro 9 aurait dû gagner en profondeur, en psychologie. Le film pourrait aussi souffrir d’un statut hybride. Trop sombre pour des enfants, le contenu reste trop superficiel pour vraiment séduire le public adulte, a fortiori les fans de Tim Burton.

Dans le monde des films d’animations, Pixar s’impose chaque année comme le leader du marché. La société de Disney a ainsi créé des univers incroyables : Toy Story et les fantastiques Ratatouille et WALL-E. Enfants et adultes y trouvaient leur compte, avec des lectures différentes. Tout leur intérêt venait du fait qu’il n’y avait pas de vrais méchants, juste de perturbateurs. Adieu donc le côté manichéen classique des Disney. Mais Pixar, c’est aussi de mièvres histoires aseptisées : Némo (un engouement démesuré), Monstres & Cie (malgré une idée intéressante), Cars (scénario facile pour les rêves de petits garçons) et le pire, les Indestructibles (pas drôle, très pro-américain, assez moche). Autant le dire tout de suite, Là-haut se situe entre ces deux catégories.

Carl, vieux grincheux –comme tous les vieux diront certains- rêve depuis toujours de voyager. Quand l’occasion se présente enfin, le voilà parti dans sa maison volante, à fond les ballons à hélium. Sauf que voilà, à l’instar des autres Pixar, un autre personnage va menacer son rêve ; ici, le gentil scout Russel. Le côté bande improbable n’est pas sans rappeler un certain Âge de glace, du concurrent Dreamworks. On tourne vite en rond dans ce long-métrage, qui cherche à piquer la magie d’un Miyazaki sans y parvenir. Là où le créateur nippon revendique le fantastique, Pixar essaie de garder une vraisemblance. Ça marchait avec Ratatouille, où, bien que le rat parle, il ne pouvait pas communiquer par la parole avec l’humain. Ici, les chiens parlent, la maison volante est poussée par la force d’un vieillard. Tout ça ne tient pas debout. Pis, c’est le retour du méchant pur jus, horrible écueil « disneysque ».

Malgré quelques bons passages comiques, Là-hautse révèle un peu longuet. Sa force, il faut la puiser dans l’émotion. Le premier quart d’heure est sûrement l’un des plus beau vu dans un film d’animations. Il nous ferait bien chialer enfants et parents. Il faut dire que la vie de Carl, pleine de poésie, de rêve et de fatalisme ne peut que nous attendrir. Et quand les réalisateurs se donnent la peine de revenir sur le vieil homme, le film atteint une vraie profondeur, dans lequel le public peut s’identifier. Techniquement en revanche, c’est un bond en arrière très étonnant. Là où WALL-Emontrait tout l’étendu du savoir faire Pixar, leur nouveau projet est assez moche. Hormis les milliers de ballons et quelques passages en forêt, les décors demeurent trop pâles. Les graphismes sur les héros font penser aux débuts de Dreamworks (matez donc les oreilles de Carl, digne d’un jeu vidéo d’il y a 10 ans).

Là-hautn’est pas mauvais, et ce, grâce au fil conducteur Carl. Mais quand on a touché les cieux avec ses précédentes productions, on ne peut qu’être déçu d’un retour si brusque au scénario terre à terre. Un comble pour des héros qui veulent prendre de la hauteur.

Là-haut, de Pete Docter et Bob Peterson, avec les voix françaises de Charles Aznavour, Tom Trouffier (U.S.A., 1h35, 2009)

Note : après la déception du système 3D sur l’âge de glace, j’ai estimé qu’une vision 2D de ce film suffisait. Leur nouveau business 3D n’apporte pas grand-chose, donc pas besoin de s’attarder dessus.

La bande annonce de Là-haut ci-dessous:

Utiliser la firme Beethoven aurait sûrement voué à l’échec toute nouvelle production hollywoodienne. Le Saint-bernard préféré des gosses ne fait plus recette. Alors les producteurs se creusent la tête et nous dégote un concept qui pourrait tenir la route : voir l’évolution par étapes d’un couple à travers la vie d’un gentil toutou. On espère un temps assister à une petite satire sociale du mode de vie à l’américaine. C’était sans compter sur la médiocrité de David Frankel, réalisateur de quelques épisodes de Sex and the City et du Diable s’habille en Prada.

 Ce mec a une sorte de fascination agaçante pour le petit WASP américain friqué. Il veut nous faire gober que la vie du couple de Jenny et John est un modèle de banalité. Vous en connaissez beaucoup vous des vies banales où le mari se torture l’esprit car il voudrait être journaliste et que « Monsieur » n’est que chroniqueur vedette ? Vous en connaissez beaucoup des vies banales où le dilemme est de savoir s’il est possible d’être augmenter pour avoir une maison avec piscine et que le patron accepte en 30 secondes ?

 Tout le sujet du film repose sur un chien, Marley, maillon fort de la vie familiale. Le réalisateur a du être profondément marqué par le décès d’un de ses molosses car il nous trace un itinéraire linéaire, attendu et longuet de la vie- et la mort- du labrador. Pis, Marley & moi illustre toutes les caricatures de la vie en couple : le mariage, le bonheur, les enfants, les difficultés avec la vie professionnelle, les amis conseillés, le patron paternaliste. Pas de cynisme, pas de second degré, tout est gentillet, lissé et usé. Le long-métrage se veut optimiste.

L’optimiste était aussi de mise pour espérer voir Jennifer Aniston dégotter un semblant de jeu d’actrice. Je n’ai jamais compris pourquoi cette femme, à l’instar d’Eva Longoria, suscitait autant d’admiration. Une filmographie à peine meilleure que Chuck Norris et ça encaisse des millions… Pas besoin de tenter une analyse esthétique du film, c’est un encéphalogramme artistique plat. Marley & Moi remplit son rôle de divertissement facile pour public très peu exigeant. Le bonheur, c’est chiant !

Si David Fincher est un habitué des scénarios un peu fou (Seven, Fight Club, Zodiac), celui de L’étrange histoire de Benjamin Button a de quoi dérouter. Benjamin (Bratt Pitt) naît avec un physique d’octogénaire, et mène toute sa vie à l’envers, rajeunissant de jour en jour. Drôle d’histoire que celle-ci où toute la métaphore du temps se résume à une horloge qui fonctionne à l’envers. Inspiré de la nouvelle de F. Scott Fitzgerald, le film est avant tout une œuvre qui sort de notre logique du temps. La rencontre de Benjamin avec la douce Daisy (Cate Blanchett) n’est pas une simple mièvrerie amoureuse. Daisy est une femme aussi charmante que normale, mais pour les deux, impossible de vivre une passion amoureuse quand leurs existences ne coïncident qu’une journée. Daisy et Benjamin ne font que se croiser, au gré de leur vie, sans jamais pouvoir vivre vraiment ensemble.

Si Fincher nous a parfois déçus, avec par exemple le très moyen Panic Room, il signe là un véritable acte de rédemption cinématographique. Les effets spéciaux servent à vieillir ou rajeunir les acteurs. Presque jamais Pitt et Blanchett ne nous apparaissent à l’écran avec leur vrai visage. La prestation de Brad Pitt est une nouvelle fois, après Burn After Reading, excellente. Il prouve qu’il est la star hollywoodienne la plus en forme du moment. A tel point que la star décroche sa première nomination aux Oscars. Lorsque physiquement son personnage a 60 ans, il doit jouer le rôle psychologique d’un jeune homme dans la vingtaine. Button meurt bébé, oubliant, au fil de la vieillesse et prisonnier d’un corps de nouveau-né, sa vie si belle et si riche. Cela donne lieu à une ultime scène entre les deux amoureux assez ahurissante !

 

Il y a du Coppola dans ce film. Comme si la tradition des seventies alliée à une ambiance kubrickienne donnait naissance à cette œuvre. Certes, quelques scènes appuient un peu trop la larmoyante image clichée de l’amour impossible, mais peu importe. Chaque lieu forme une carte postale, pas toujours paradisiaque, le tout formant une sorte de cahier. Ce dernier est une espèce de testament, celui d’un homme hors du commun. La mourante Daisy sur son lit d’hôpital semble nous dire autre chose, de plus triste encore : le temps nous rattrape toujours, et ne nous rend en rien service. Pour tous ceux qui l’auraient raté dans les salles de cinémas, la sortie en Dvd est une excellente façon de se racheter.