Toute la misère du monde

Bien plus qu'un polar noir, le successeur de The Chaser lorgne du côté du survival et de la dénonciation politique à la puissance corrosive et à l'humour noir décapant.

La dernière fois qu'un film de vengeance coréen nous est parvenu en France, c'était il y a quelques semaines avec le très bon J'ai rencontré le Diable. Chez Kim Jee-Woon, la violence devenait un cercle vicieux où la loi du talion s'exerçait avec une bêtise éloquente mais finement illustrée. The Murderer a beau avoir des atours semblables, notamment dans la violence, les deux films n'ont en fait pas grand chose à voir. Hong-Jing Na avait déjà calmé tout le monde avec The Chaser (rappelons-le un film d'école !) tant sa maîtrise des codes dépassait le simple exercice de style. Il avait déjà digéré tout un pan de la société coréenne et faisait de la vengeance un acte de désespoir très humanisé. Avec The Murderer, il récidive et pousse plus loin l'exploration sociale.

Les bases n'ont rien de transcendantes pourtant. Gu-Nam, chauffeur de taxi à la vie minable, se voit l'opportunité de sortir la tête de l'eau en assassinant quelqu'un. Sauf que le cadre n'a rien de banal. L'action débute en Chine, à Yanji, ville coincée entre la Russie et la Corée. Là-bas, toute la misère du monde s'y accumule puisque des sino-coréens s'y entassent dans une ambiance de trafics en tous genres. Le thème émigré/immigré traverse ce thriller haletant. Gu-Nam ne se sentira nulle part chez lui. Ni dans ce coin de Chine où il espère des nouvelles de sa femmes partie en Corée trouver du boulot, ni lors de son passage dans ce pays divisé où il va devenir une bête traquée. Il est un clandestin tellement recherché qu'il en devient un monstre suprême, métaphore de la xénophobie contemporaine. L'étranger se meut en cible quand bien même il est une victime.

Hong-Jing Na nous fait voyager avec lui, entre craintes et espoirs de retrouver sa femme. L'occasion de voir les marchés, les gens travailler, les magouilleurs ; l'occasion de sentir le froid des montagnes et la nature lors de trajets en bus. Puis le film prend une tournure plus alambiquée à la fois passionnante et un peu dure à suivre. La caméra divise son récit en trois. Gu-Nam survit toujours mais on suit en parallèle les combines des têtes pensantes des complots en cours. L'aspect thriller reprend ses droits puisque le but revient à comprendre pourquoi ce bordel dingue. Il y a dans tout cela de l'acte de vengeance à l'humour noir façon Outrage et de la malice politique plus proche d'un Election.

Fixé sur le temps, le film devient une course contre la montre entre l'envie d'éliminer l'autre et le besoin de comprendre avant de mourir. Les sommets de la mise en scène sont atteints lors de courses poursuites folles, presque aussi réussies que chez James Gray (La nuit nous Appartient). Une première où Gu-Nam se retrouve à pied contre une horde de voitures de flics. Une autre plus tendue encore qui débute dans un camion.The Murderer n'est finalement pas tant un film de vengeance qu'un survival movie. Et si les révélations finales s'avèrent un tantinet décevantes, l'essentiel est ailleurs. La violence évidente du film (les coups de haches et les lames de couteaux partent dans tous les sens) se double d'un cri de désespoir. Ce n'est pas pour rien si le héros raconte le destin tragique de son chien enragé. L'espèce de diaspora coréenne et la précarité de tous ces personnages illustrent un appel à l'aide politique tant la bête peut mordre à tout moment.

The Murderer, de Hong-Jin Na, avec Kim Yun-seok, Jung-woo Ha, Jo Seong-Ha (Cor., 2h20, 2011)

La bande-annonce de The Murderer :

Lueur de désespoir

Énième adaptation de comic de super-héros au cinéma, Green Lantern s'affirme comme le pire de l'année. Rien à retenir de positif.

En général, l'expression « tous les voyants sont au vert » signifie quelque chose de positif. Si ici on l'applique, ça sera pour dire que les clignotants du mauvais goût virent à la couleur de l'espoir déchu. Mettons de côté le comic-book pour ne se concentrer que sur la déclinaison sur grand écran de Green Lantern. De Martin Campbell, on retient surtout ses relances de la franchise James Bond : Goldeneye (pas trop mal) et Casino Royale (une réussite). Le masque de Zorro, Vertical Limit et Hors de contrôle n'ont eux pas vraiment marqué les esprits en bien. La mise au vert du cinéaste ne va pas le sauver des eaux puisque son travail sur Green Lantern rappelle les heures les plus sombres des super-héros au cinéma. Entre Elektra et les 4 fantastiques, le petit nouveau a toutes les chances de concourir pour le prix de pire film de super-héros.

Rien que l'introduction de dix minutes fait prendre l'ampleur du cataclysme. A travers l'espace, le film entame un tour de piste aussi laid qu'une mauvaise production pour Syfy ou qu'une vieille série KD2A. Le kitch manifeste de Thor pouvait à la rigueur avoir un certain charme, ici même pas. Et contrairement au film de Branagh, le thème shakespearien n'apparait pas. Tout juste a t-on droit à un traumatisme de fils incapable de tenir la réputation du père. Green Lantern se contente de suivre Hal Jordan, pilote d'avion irresponsable (crédible...) chargé par un anneau magique et une lanterne de pouvoirs surhumains. Deux heures de film sans rien. Il n'y a que son dernier quart-d'heure qui se décide enfin à donner un semblant de rythme. Et encore, on se demande bien comment l'histoire en arrive là.

Martin Campbell paie son incapacité à façonner des personnages au mieux attachant, au pire crédible. Blake Lively se la joue Emily Blunt avec ses cheveux bruns et ne sert qu'à montrer son minois. Le manque de charisme de Ryan Reynolds n'est pas sauvé par un costume vert criard dont le plus ridicule est sans conteste le masque. La 3D non plus ne rehausse pas le niveau. Post-produite, elle est encore moins utile que dans le Alice de Tim Burton. Dès lors, une question occupe l'esprit : où sont passés les 200 millions de dollars de budget ? Malgré son échec au box-office américain et en dépit d'un flop annoncé en France, la Warner ose s'engager sur une suite. Pitié, foutez les super-héros en paix, ils ne méritent pas ça !

Green Lantern, de Marin Campbell, avec Ryan Reynolds, Blake Lively, Peter Sarsgaard (U.S.A., 1h50, 2011)

Sortie le 10 août

La bande-annonce de Green Lantern :

Nous vieillirons ensemble

La comédie romantique pour seniors se passe sur fond de perte d'activité et de crise de la soixantaine. Film agréable mais peu marquant.

L'idée est aussi rare que maligne : parler de la vieillesse quand on est soi même encore jeune. Julie Gravas, fille de, revient à la réalisation après C'est la faute à Fidel. Elle s'attaque à la peur de vieillir. Ses personnages se mirent avec leurs rides comme les ados s'éclatent les boutons. 3 fois 20 ans (joli titre français) propose de suivre un couple aux portes de la retraite. Se pose alors la question d'assumer son âge. D'un côté, Mary prend trop à cœur le temps qui passe . Elle achète un téléphone à grosses touches et une rampe pour la baignoire. A l'opposé, son mari Adam souhaite plus que jamais mener à bien ses projets d'architecture et avoir de jeunes stagiaires à ses côtés.

La chose la plus amusante de 3 fois 20 ans revient à la progression grotesque de ce couple qui s'autodétruit un peu bêtement. Julie Gavras ne cherche pas à forcer le trait. Elle les laisse s'exprimer dans leurs angoisses sous l'œil médusé des enfants. Jamais le film ne cherchera un artifice grossier pour boucler son histoire. La comédie romantique se déroule avec ce petit regard bienveillant que l'on a quand on croise un vieux couple main dans la main. C'est-à-dire avec un mélange d'admiration et de mesquinerie involontaire. Pour dynamiser tout ça, le film utilise la figure d'une arrière-grand-mère rentre dedans avec ses arrières-petits-enfants. Elle incarne une forme de liberté devant la fin de la vie. En fait, jamais la possibilité de la mort ne devient un drame.

Le duo Isabella Rosselini/ William Hurt s'en sort très bien. Ils compensent un certain manque de drôlerie et quelques temps longs. On aurait aimé voir approfondi l'exclusion du senior de la société. Dans un monde de l'utilité, le passage à la retraite devient une petite mort. La frénésie de travail d'Adam enclenche une idée, émet l'hypothèse insatisfaite d'une interaction avec les jeunes pousses (on y retrouve la Lorna des Dardenne qui porte bien les cheveux longs). Les parties avec Mary tournent plus en rond, puisqu'on ne fait que la voir se débattre contre l'inactivité. Film amusant mais périssable, 3 fois 20 ans ouvre néanmoins une vraie brèche vers un sujet de société qui gagnera en ampleur, du fait du vieillissement de la société.

3 fois 20 ans, de Julie Gavras, avec Isabella Rossellini, William Hurt, Doreen Mantle (Fra., 1h28, 2011)

Sortie le 13 juillet

La bande-annonce de 3 fois 20 ans :

L'arbre de la mort*

Le ballet macabre du choc de deux planètes donne à Lars Von Trier l'occasion de montrer sa vision lyrique et nihiliste d'une humanité témoin de ses dernières heures. Paradoxalement le plus lumineux des films du danois.

L'univers en continuelle expansion compte quelques millions de galaxies, elles-mêmes ayant des myriades d'étoiles. Les planètes, plus ou moins semblables à la nôtre, gravitent et laissent ces pauvres êtres que sont les Hommes dans un espoir de vie extra-terrestre. Plutôt que de se faire croiser les vivants, Lars Von Trier, personnage au regard sombre, préfère le choc des planètes. Il émet l'hypothèse d'un astre en collision avec la Terre sonnant son glas. Melancholia, c'est son nom, brûle d'un bleu aussi resplendissant qu'inquiétant. Le film commence par cette fin du monde épique sur les notes de Richard Wagner. L'utilisation de segments de Tristan et Isolde célèbre la danse macabre entre les deux planètes. Un jeu d'attraction destructeur plus troublant dans ses moments de repos -la musique revient tel un thème récurrent- que dans l'explosion des cordes.

C'est par le travail du son que Melancholia transcende pourtant la simple carte postale cataclysmique. Avec le 5.1 et la saturation des effets, LVT par deux fois fait entrer en collision le spectateur, en phase avec la mort, et la planète. Les images du cosmos, regard modeste du terrien observateur, rappelle l'autre grand film de Cannes. Terrence Malick et Lars Von Trier incarnent le Ying et le Yang de l'univers au cinéma en 2011. Le réalisateur de The Tree of Life en serait la partie claire, avec cette pointe de noirceur issue du deuil. Le danois plus pessimiste apporte un sujet entièrement mortifère. Pourtant, chose presque unique chez lui, cette fin du monde offre des moments lumineux, presque apaisés, bien loin des images de films catastrophes habituels. Dans ces deux films se portent un regard d'Homme impuissant. L'arbre de vie montrait une évolution darwinienne où le regard contemple le passé. Melancholia aborde le nihilisme et les dernières heures de l'humanité. Un monde sans lendemain où son héroïne est persuadée qu'il n'y a pas de vie ailleurs.

Justine sous ses atours de femmes encore écrasée par les insupportables postures de Von Trier se révèle le personnage le plus intéressant de toute la carrière du cinéaste. Pour la première fois, une femme ne porte pas tout le malheur du monde. Masculin et féminin se conjuguent ensemble devant l'impuissance. Pis, Justine semble la seule sereine face à l'inéluctable dénouement. La première partie du film fait pourtant craindre le contraire. Lors d'un mariage cauchemardesque, elle détruit se qui devrait être le plus beau jour de sa vie. Von Trier a toujours transmis son mental de dépressif aux actrices qui l'entoure, d'Emily Watson (Breaking The Waves) à Charlotte Gainsbourg (Antichrist). Cette dernière incarne Claire, une sœur en contrepoint à Justine/Kristen Dunst. A savoir une pragmatique de la vie mais dépassée par la suite des évènements. Cette longue partie sur le mariage n'est pas sans défaut. On saisit mal une partie des ellipses et les cadres très serrés en mouvement perpétuel captent un peu tout et n'importe quoi.

A la lumière de la seconde partie, ce choix devient plus limpide. Au bouillonnement vain des célébrations succède un ballet lent et inexorable. La vitesse astronomique de la planète apparaît douce au regard humain. Une poésie se dégage même de la cohabitation entre Melancholia et la Lune lors d'un plan surréaliste. Les étoiles vues depuis notre ciel sont souvent déjà mortes. Les années lumières qui nous séparent d'elles offrent des images datant parfois de plusieurs millions d'années. Avec Von Trier, le cosmique devient immédiat. La science désemparée se personnifie en John, alias Keifer Sutherland. L'éternel héros de la série 24h chrono n'a rien du sauveur.

Le pari rappelle Luis Buñuel et son L'ange exterminateur. Personne ne partira, tout le monde fait face. Les atours peu glorieux des personnalités s'affirment, des rivalités des parents John Hurt et Charlotte Rampling à la perte de sang-froid d'une mère qui se demande où grandira son fils. L'atmosphère étouffante du château se fait d'autant plus ressentir que les jeux chromatiques proches du marron-jaune ne laissent guère la lumière prendre sa place. Les instants les plus éclatants interviennent quand l'atmosphère apporte la neige à un jardin fleuri. Les tableaux du premier quart-d'heure forment un préambule autant qu'une sentence. On y retrouve la seule qualité d'Antichrist avec ces images aux ralentis envoutants. Les forces telluriques engloutissent le monde des vivants, les éléments aériens s'asphyxient devant la charge de l'autre planète bleue. Lars Von Trier se dit tiré de la dépression. Un peu comme Justine, personne digne devant la fin du monde, témoin plus intelligent que les autres. Il y a quelque chose de la flagellation catholique dans le chemin de croix que vivent les humains. Loin d'atteindre la perfection, notamment en terme d'émotion pour les personnages, Melancholia impressionne néanmoins par la mort qui nous arrive en face. Tel les grands maîtres du lyrisme en musique (on en revient à Wagner entres autres), Lars Von Trier se positionne en parangon du drame nihiliste et pictural. 2011, année cosmique.

Melancholia, de Lars Von Trier, avec Kristen Dunst, Charlotte Gainsbourg, Kiefer Sutherland (Dan. Sue., Fra. All., It., Esp., 2h10, 2011)

*un titre compréhensible pour ceux qui ont vu la fin du film

Sortie le 10 août

La bande-annonce de Melancholia :

La vie est belle

Avec une liberté comme rarement vue ces derniers temps, le second-long métrage de Valérie Donzelli raconte une histoire d'amour par le prisme d'une lutte contre une tumeur. Drôle, émouvant, parfait dans son genre.

Il arrive que des films percutent tout sur leur passage. Le nouveau de Valérie Donzelli est de ceux-là. « T'as retenu tout ce qu'il a dit ?  - Non pas vraiment, mais faut retenir que c'est positif » clament les personnages, énergie toute visible à courir dans les couloirs de l'hôpital. La vitalité de La guerre est déclarée passe par un optimisme fou. Récit inspiré de sa vraie expérience avec son ancien compagnon Jérémie Elkaïm, l'actrice-réalisatrice prend à bras le corps un sujet souvent mal traité au cinéma : la maladie. C'est parce qu'il évite le larmoyant que le film bouleverse, et fait du coup pleurer. La guerre est déclarée déplace l'intrigue autour d'une histoire d'amour. Si la maladie de leur enfant vient enrailler la machine, il est aussi un moteur à la romance. Le couple, malicieusement appelé Roméo et Juliette, se confronte au monde réel. Entre les blocs opératoires et les rares soirées avec les amis, le grand écart paraît infaisable.

C'était sans compter sur Donzelli, fée pleine d'idées. Elle s'appuie sur un tournage léger, à savoir une équipe réduite (8 à 10 personnes), de la lumière et des décors naturels et le fameux 5D tant à la mode. Le tout sur un petit mois. A partir de là, le film saupoudre son drame d'épices colorées faites de maintes idées de mise en scène. Avec quelques ralentis, des travellings et des petits effets spéciaux artisanaux, Donzelli expérimente sans peur. La B.O. s'appuie sur une sorte de playlist de Ipod, comme pour marquer chaque instant d'une vie. Longue de huit ans, cette histoire se forge sur l'ellipse où chaque étape du suivi médical se voit soutenu par une véritable petite troupe impliquée (les parents, les grand-parents, les amis).

Par la comédie, l'intrigue désamorce la gêne allant même jusqu'à s'en moquer. La guerre est déclarée trouve la lumière et la couleur dans ses instants les plus sombres. Au lieu d'appuyer les conflits, les personnages s'évadent vers ce qui apparaît comme le plus serein. La permutation des narrateurs fait penser qu'ils se relaient au chevet d'un enfant convalescent. Car le film ne prend pas en otage (drôle d'expression) l'émotion. On sait que le gamin survit dès la première scène. Mais la portée émotionnelle de l'ensemble ne peut aucunement laisser de marbre. La jeune cinéaste arrive à maitriser ce qui aurait pu aller dans tous les sens. Sauf qu'elle mène son film avec la même détermination qu'elle songe aider son petit garçon.

L'aspect autobiographique n'inhale en rien la portée universelle. L'histoire de couple reste au centre et se retrouve très bien illustrée socialement. Il y a un équilibre entre moments graves et légers. La détente se fait en musique, en soirée, en couple qui se font des confidences. Par le naturel de ses acteurs, par les prises dans un vrai hôpital en activité et par cette frimousse d'un nourrisson qui semble réagir comme son personnage, La guerre est déclarée s'affirme comme la plus belle œuvre de l'année sur la parentalité. Parfait.

La guerre est déclarée, de Valérie Donzelli, avec elle-même, Jérémie Elkaïm, Brigitte Sy (Fra., 1h50, 2011)

Sortie le 31 août

La bande-annonce de La guerre est déclarée :