L'Illiade chinoise

Fresque épique ultra-connue, la nouvelle adaptation de la lutte des 3 Royaumes bénéficie du retour de John Woo, talentueux cinéaste trop longtemps égaré aux États-Unis. Chronique de la première partie de la version longue.

Sacrifié sur l'autel de la distribution grand public en France, les 3 Royaumes de John Woo fut tièdement accueilli. Il faut dire que la version ultra-raccourcie enlevait tout logique de progression à cette grande fresque historique. Pourtant, celui qui porte le nom de Red Cliff en anglais mérite bien plus les éloges tant sa version complète s'avère grandiose et tellement bien menée. Les 3 Royaumes, en France, dure 2h25 ridicule, soit la moitié de l'original. Intéressons-nous ici à la première partie. C'est en soit un événement puisqu'il signe le retour du prodige John Woo sur le continent asiatique. Fini les égarements hollywoodiens, le grand John peut reprendre les choses en mains. Il adapte l'une des histoires les plus fameuses du passé chinois : la lutte des 3 Royaumes.

Véritable légende, un peu comme l'Illiade avec la guerre de Troie, on peine en partie à dissocier le réel de l'amplifié. Si ces grandes batailles eurent bien lieu, la popularisation de la bataille de la Falaise Rouge ne fut mise par écrit qu'au XIII ème siècle. Woo prit le parti de s'approcher un peu plus des savoirs historiques tout en g ardant une dose de romanesque. Difficile en France de faire comprendre à quel point cette épopée de deux Royaumes rivaux coalisés contre la belligérance d'un troisième dépasse le statut de simple souvenir en Chine. Devant la grandiloquence de la réalisation de ce film, on comprend un peu mieux. C'est bien simple, ce sont les plus grandes scènes de batailles vue depuis Le Seigneur des Anneaux. En terme d'intensité et de maitrise épique, John Woo fait au moins aussi bien que Peter Jackson. Leur lisibilité laisse pantois et malgré la folle hécatombe dès le début du film, le spectateur peut s'y retrouver sans forcer.

Plus que de simples combats, de véritables chorégraphies font virevolter les personnages. La surenchère d'effets de chez John Woo se veulent discret et Les 3 Royaumes gagnent en violence. Tel une mise en scène de Risk, c'est une démonstration de stratégie militaire audacieuse. Que ça soit dans les éblouissements des chevaux par le reflet des boucliers ou par un dispositif en tortue que l'on ne soupçonne même pas, le savoir-faire des armées est on ne peut plus cinématographique. La caméra à la fois aérienne et à hauteur d'homme se fond à la dynamique des combats. John Woo parvient à immerger son dispositif avec une fluidité rare, toujours lisible. Les quelques traits d'humours sont surtout le fruit de la malice des soldats, illustration fine de la cruauté d'une guerre meurtrière. Mais Les 3 Royaumes, sur ses 2h 20 de la première partie est loin de ne comporter que du frittage en règle. C'est même un film qui joue sur l'attente, les négociations tactiques, la loyauté des figures légendaires.

Là encore, pas besoin de comprendre les méandres tactiques en détail pour tout saisir. La mise en scène capte les archétypes. Le belligérant de premier ministre, tenue plus sombre, contraste tout de suite avec un Empereur plus délicat, attaché à la contemplation. Par les mouvements de caméra toujours pertinents, par des cadrages jouant sur les profondeurs de champ, les hiérarchies et les enjeux se voient tous à l'écran, un peu à la manières des grandes peintures de la Renaissance. John Woo se permet une certaine douceur, un symbolisme (trop) fort à travers les animaux notamment.

Sans être coutumier de la question, on saisit vite la place de l'oiseau, symbole de liberté. Le film commence avec un piaf noir, quand c'est un magnifique congénère blanc qui survole les camps de guerriers au cours d'une séquence incroyable. Le tigre est là aussi, métaphore du courage et de la noblesse de la sauvagerie, dans une longue mais belle séance de chasse en hautes herbes. Enfin et surtout, la place du cheval ; bien plus qu'un simple destrier, il tient un rôle moteur. Il est à la fois une force et une faiblesse pour le soldat (quand il se fait éblouir par exemple), mais il met en valeur le guerrier. Presque l'égal de l'Homme, le cheval porte souvent un nom et c'est au cours d'une touchante scène d'accouchement de poulain que l'on constate qu'il entre dans une logique de rapports humains, au même titre que le chien en garant du foyer chez les américains. Les 3 Royaumes, œuvre grandiose impressionne en grande partie. Et dire que ça n'est qu'une moitié.

Les 3 Royaumes version longue- Partie 1, de John Woo, avec Tony Leug Chui Wai, Takeshi Kaneshiro, Zhang Fengyi (H.-K., 2h20, 2008)

Article lié : Les 3 Royaumes version longue- Partie 2 de John Woo (publication à venir)

La bande-annonce de Les 3 Royaumes :

Gang graine

L'adaptation du roman de Roberto Saviano frappe fort, et tacle un pays encore pleins de problèmes. La mafia, gangrène incurable.

La mafia glorifiée dans les cités, portée telle un étendard sur les tee-shirt, tels sont les effets pervers et assez inattendus des Scarface et compagnie. Ce cinéma à dominance italo-hollywoodienne avait beau montrer humainement une complexité sur les rapports de l'argent, la famille et la fraternité, la glorification de l'argent roi et de l'arme à feu semble être pour certains la seule leçon à en retenir. Or, une mafia, c'est avant tout une organisation criminelle, plus ou moins proche de l'État. Roberto Saviano illustre avec courage le vrai visage de la Camorra (traduisez « protection »), organisation mafieuse de la région de Naples. Son brulot Gomorra lui a valu l'exil et une protection constante sous peine de mort. Preuve qu'il a visé juste.

L'adaptation cinématographique, remarquée au festival de Cannes et lauréat du Grand Prix, s'attache bien à montrer la réalité sociale des lieux. L'action s'éloigne complétement des clichés carte postale habituel. Ici, la cité dégueulasse se montre plus que la propreté touristique, les bagnoles font du bruits, les murs remplis de saletés. A se demander si de tels lieux existent en Italie tant le pays de Fellini respire la beauté dans l'imaginaire collectif. Rarement le cinéma italien ne se sera montré si cru. Même Antonioni vivait dans son monde. La mafia comme le mal absolu gangrène l'ensemble de la société. Intéressant de voir des jeunes se compromettre au même titre que d'honnêtes travailleurs. Derrière un pseudo code de l'honneur se dissimule juste le loi du plus fort. Le trafic de drogue, les rapts et les comportements de « cailleras » ne sont pas l'apanage de jeunes de cités défavoriséess aux origines ethniques ou religieuses minoritaires dans le pays (comme on cherche à nous le faire croire en France par exemple). Les délinquants de Naples sont de bons petits italiens, cathos, boucle d'oreille à la Cristiano Ronaldo, casquette à l'envers. En tout cas pour les plus jeunes. Gomorra s'éparpille juste ce qu'il faut pour suivre divers types de personnes : le couturier, les jeunes paumés ou encore les gros bonnets qui recrutent dans la rue.

Le pouvoir de l'argent monte à la tête de tout à chacun. Tous ont les mains plus ou moins sales, tous vont provoquer la malhonnêteté, tous peuvent succomber à chaque instant. Sans concession, le film ne laisse guère d'espoir, ne respire jamais. C'est à la fois sa grande qualité et peut-être sa limite. Sans pouvoir en faire un reproche, on attend un éventuel futur livre (et film) de Saviano pour entrouvrir la porte aux solutions, offrir au moins la feuille vierge pour une ébauche de résolution. La mise en scène se permet certes quelques plans très beaux, mais ce moyen ne sert qu'à insister sur le contraste pourriture/beauté environnante. Le moindre recoin de la ville transpire la corruption et le crime. Exemple parfait avec la déchetterie et ces faux mécènes investisseurs qui rongent le pays. Sous prétexte de construire la grandeur de l'Italie, la Camora putréfie ce pays pourtant intégré à l'U.E. Gomorra file un coup de poing monumental à quiconque saisi un minimum la souffrance de toute une partie de la Botte. Un avertissement pour rappeler que malgré l'implantation étatique, la dérive rode.

Gomorra, de Matteo Garrone, avec Toni Servillo, Gianfelice Imparato, Maria Nazionale (It., 2h12, 2008)

La bande-annonce de Gomorra ci-dessous :

Un bouche à oreille favorable, des Oscars © et des scandales, voilà qui résume la carrière du dernier film de Danny Boyle. Beaucoup de bruit pour pas grand-chose.

Soyons clair. Bollywood produit l’un des pires cinémas de la planète : danses ridicules, musiques horribles, clichés sur l’amour, il n’y a vraiment pas de quoi crier au génie. Alors quand Danny Boyle, faux grand réalisateur (hormis Trainspotting, et encore. Et puis, souvenez-vous qu’il est responsable de l’infâme La Plage.) se plonge dans la vie indienne, sur fond de Bollywood, les dégâts sont considérables.

Alors bien sûr, l’histoire plait. Jamal, jeune issu des bidonvilles, réalise l’exploit de répondre juste à toutes les questions de Qui Veut Gagner des millions (version indienne). Suspicion. Il se retrouve à devoir justifier sa performance auprès de la police. On découvre alors que chaque réponse découle de sa vie, de son périple. Et là, Boyle nous assène un cinéma manichéen. Le méchant policier, balourd et bête et son chef, plus sympa, compréhensif. Idem dans le contage de la vie de Jamal : un frère paternel et voyou, une jeune belle femme, Latika, vierge, douce et martyrisée. Que c’est facile !

Histoire de donner une impression de maitrise cinématographique, le réalisateur filme façon MTV. Plans de coupes rapides, caméra à l’épaule, filtré avec du jaune. On accentue les ombres, on met une musique bling-bling, un plan de travers (ça fait film indépendant) et hop ! tout le monde s’extasie. Sauf que Boyle ne fait que cacher la misère d’un fil conducteur qui lasse. Difficile de croire aux péripéties du jeune indien. Pis, Slumdog Millionaire diffuse une image caricaturale et misérabiliste du subcontinent. Des adultes qui exploitent les enfants, pourquoi pas.  Pourquoi occulter que les plus défavorisés sont les gens vivant dans la rue, couchant sur les trottoirs de Mumbai ? Mais pourquoi ne pas montrer aussi la solidarité au sein du bidonville, avec son système éducatif (modeste, mais bon) ?  Pourquoi ne pas montrer un peu de positif malgré la misère, des sourires comme le ils savent si bien nous offrir ? Tout simplement parce que, sans argent, point de Salut. Danny Boyle est à ce point obnubilé par le fric qu’il pense qu’il fait le bonheur. Ajoutez une belle femme éprise de vous, la belle vie.

Vraie polémique

Pendant ce temps, d’autres crèvent de faim. On s’en tape, le héros arrive à ses fins. Aucune solidarité, aucun  partage. Boyle retranscrit sur l’Inde le modèle de l’american way of life.  Preuve qu’il n’a rien compris. A l’heure où le pays de Gandhi achève sa mue économique, nombres de ses habitants se sont élevés contre ce film injurieux. Boyle ne décrit aucunement les problèmes internes du pays, il ne fait qu’émettre une fausse vision. Facile après de jouer les bons samaritains quand  il faut reloger la petite fille interprète de Latika car son bidonville de Dharavi est détruit. Pendant ce temps, des milliers de personnes n’ont plus de toits. Danny passe pour un héros, sans avoir rien fait. Décidemment, après Susan, les Boyle auront vraiment pourri notre année 2009.

Slumdog Millionaire, de Danny Boyle, avec Dev Patel, Mia Drake, Freida Pinto (U.S.A., Brit., 2h00, 2008)

La Bande-annonce de Slumdog Millionaire ci-dessous:

 Les excentriques frères Coen n'en finissent plus de régaler le cinéma de leur humour. Preuve à l'appui avec ce Burn after Reading, film aussi mineur que loufoque.

No country for old Men fut considéré comme l'une des réalisations les plus marquantes de 2008. Après un tel tour de force, Ethan et Joel Coen ont misé sur un retour à la comédie. Si l'on se souvient avec crainte de l'accident industriel Intolérable cruauté, que l'on se rassure, rien de calamiteux ici.

Inutile de chercher à reprendre le synopsis de l'histoire. Retenons juste que Osborne Cox, joué par John Malkovich, est viré de la CIA pour cause d'alcoolisme. S'enclenche alors toute une gamme d'histoires plus ou moins liées formant une parodie des films d'espionnages. Le bric-à-brac de personnages loufoques s'amoncelle avec joie. Clooney en est le stéréotype le plus complet : homme adultère, beau gosse pas toujours malin, un peu parano, le « What Else » hollywoodien prouve une fois encore son second degré détonnant. Moins présent mais ô combien poilant, Brad Pitt en rajoute une couche en démontrant qu'il est vraiment la star américaine incontestable du moment. Son rôle de prof de sport débile, mâchouilleur de chewing-gums, agrémenté par la petite coupe en brosse ravit ses fans. Sans trop en révéler, on peut juste signaler qu'il détient une scène mythique du cinéma ! (indice : cela se passe dans un placard.) C'est plus généralement l'ensemble du casting qui dynamise un film par ailleurs un peu brouillon.

Car si l'on rit facilement aux diverses péripéties, sauce humour second voire troisième degré, si l'on ne peut qu'apprécier la dérision des films d'espionnages qui nous est offert, quelque chose manque. C'est peut-être dans son scénario. Les frères Coen aiment traiter de sujets pas si importants, de causes ridicules. Seulement, au-delà de la satire, l'histoire perd de sa force très vite. On se dit qu'un court ou moyen métrage aurait très bien suffit. La fin tourne carrément en rond. Une fois les lumières rallumées et le Dvd éteint, que reste t-il ? Un bon moment, un divertissement attachant du dimanche soir. Un peu léger quand on est un duo de génie.

Pourquoi se procurer un tel film chez soi quand on se rend compte que sa première vision au cinéma suffit amplement. Les grands films sont ceux que l'on peut revoir encore et encore, où ce n'est qu'après moult revisionnages que l'on en saisit l'ensemble des références et des aboutissants. Quand O'Brother est sortie, on sort de la séance un peu abasourdi, amusé. Ce n'est qu'après que l'on sent toute la profondeur de se qui n'apparaît de prime abord que comme une bouffonnerie. Rien de tel avec leur dernier joujou : une sorte de défouloir, un film mineur, juste un peu frustrant.

Burn after Reading, de Joel et Ethan Coen, avec George Clooney, Brad Pitt, Frances McDormand (U.S.A., 1h35, 2008)

La bande-annonce de Burn after reading ci-dessous :

Il y a toujours eu une fascination pour le gangster au cinéma. Des Bonnie & Clyde magnifiés par le duo Beatty/ Dunaway jusqu’aux plus récents Les infiltrés ou dans une moindre mesure American Gangster, le bandit est fortement héroïsé. Il serait indécent d’omettre les références de la génération dorée de Coppola et Scorsese avec les grands classiques Le Parrain (I, II et III) ou les Affranchis pour ne citer qu’eux. Pourtant, ce cinéma semble avoir du mal à décoller au-delà des frontières anglo-saxonnes et le cinéma français a toujours oscillé entre admiration pour cet Hollywood là et un snobisme accentué par le tournant Nouvelle Vague (parfois à juste titre). Mesrine change un peu les choses.

Jean-François Richet ne cache pas ses références pour le film de gangster. Le diptyque Mesrine était un projet titanesque pour le cinéma français. Après moult rebondissements, le projet aboutit. A la manière d’un De Niro dans Raging Bull, Vincent Cassel, dans le rôle titre, a pris 20kg. L’Instinct de Mort s’avère détonant d’intensité. Par instant, il tutoie le meilleur. Richet évite l’écueil du film trop manichéen. Mesrine était un beauf vulgaire et violent, mais avec un certain code d’honneur. Il représentait en France cette vague de gangsters à la fois crainte et admirée. Une icône que l’on cherche à porter à nue avant de la bruler (tradition très française !).  La reconstitution des années De Gaulle est une vraie réussite à ne pas banaliser à l’heure du cinéma grand spectacle aux effets spéciaux indigestes.

L’instinct de mort est l’adaptation du bouquin du gangster, se mettant en scène. Richet et Cassel l’ont bien compris. Les petites phrases assassines et clichées du bandit ne doivent pas apparaître comme une faiblesse scénaristique, mais plutôt comme une incarnation de se que Mesrine voulait. Vincent Cassel porte à bout de bras ce premier épisode, bien aidé par quelques comédiens brillants. Gérard Depardieu n’est pas un Marlon Brando, mais sa posture de boss faussement invincible, épaulé par Gilles Lelouche plante le décor pour la suite. Jacques Mesrine était aussi un grand séducteur. La place des femmes est portée haut la main par Cécile de France et Alena Anaya. Captivant, l’Instinct de Mort surprend d’autant plus que l’association Richet/ Langmann pouvait laisser septique. En tentant une mise en scène assez audacieuse au tout début du film, on espérait même que ce projet finisse en boulet de canon à la hauteur de ses homologues américains. Mais, le fil directeur encore trop linéaire l’empêche d’égaler un Casino porté par la double voix off ou un Parrain II jonglant sur la double temporalité. Ces derniers offraient également une dimension au monde mafieux et du bandit avec une vision mécanique et huilée de ce milieu fantasmé. Malgré tout, en matière de gros film français, Mesrine : l’Instinct de mort est un succès aussi bien artistique que populaire.